«Огненные кисти романтиков». Мировое изобразительное искусство XIX века

Промышленный переворот, буржуазные революции и технический прогресс не могли не оказать своего влияния на искусство. XIX век в истории мировой живописи ознаменовался разрывом с классической традицией, поиском иного самовыражения и формированием многочисленных новых художественных направлений.

Живопись XIX века. Основные тенденции

На развитие живописи XIX века оказали ключевое воздействие сразу несколько факторов. На смену аристократическим вкусам былых столетий пришли буржуазные взгляды на искусство, менее утонченные и более претенциозные. Поверхностный кругозор нуворишей, чье преобладание среди заказчиков стало особенно заметно к середине столетия, и закостенелые требования художественных академий в равной степени оскорбляли кисть талантливых живописцев. Перед ними стоял выбор – либо пойти на поводу сильных мира сего и таким образом предать свой талант, либо пуститься в «свободное плавание», часто нищее и безрадостное. XIX век стал колыбелью художников-нонконформистов: бородатых, растрепанных, в вельветовом берете и плаще. Их революционный подход к творчеству нередко шокировал и возмущал чопорную публику, но сейчас их имена (Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Клод Моне, Поль Сезанн и т.д.), в отличие от тогдашних любимчиков фортуны, на слуху, а полотна бьют рекорды продаж на престижных аукционах.

Важным фактором, повлиявшим на кардинальную смену изобразительных стилей, стало появление фотографии. Огромная часть заказов, прежде исполнявшихся с помощью ремесла художника – прежде всего, портреты – откочевала в фотоателье. Кроме того, появление «моментального рисунка» способствовало отказу от точного академического изображения в пользу живого личного взгляда, светового эффекта и цветового эксперимента.

Подобно Флоренции XV века, Венеции XVI века и Рима XVII века столицей живописи в XIX столетии стал Париж или, еще шире – вся Франция. Именно там рождались и проверялись на прочность большинство новых течений, идей, озарений. Помимо французских художников, оригинальностью мысли и воплощения отличались немецкая, английская, испанская, итальянская и русская школы живописи.

Самая краткая эволюция и хронология главных художественных стилей XIX века выглядит как соперничество неоклассицизма и романтизма в первой трети, борьба академического искусства и реализма в середине столетия, и триумф экспериментов в последние десятилетия.

Неоклассицизм

Возрождение интереса к античности и героизация образов характерны для Франции времен Революции и Империи. В архитектуре этот стиль известен как ампир, в живописи – как неоклассицизм. Некоторые искусствоведы выделяют неоклассицизм и в архитектуре. Для не характерна относительная простота и гармоничность, в то время как ампир всегда подавляет масштабом и обилием украшений, пусть и в античной стилистике. Самым выдающимся представителем неоклассицизма был Жак Луи Давид. Он обучался художественному мастерству во Франции и Италии. В 1785 году после демонстрации в Салоне картины «Клятва Горациев» его имя прогремело на весь Париж. С началом революции Давид примкнул к якобинцам и в 1793 году написал знаменитое полотно «Смерть Марата». При Наполеоне Давид работал придворным живописцем и создал целый цикл грандиозных полотен, увековечивающих императора-воина. Кроме того, Давид прославился как превосходный портретист.

Среди других неоклассицистов наибольших успехов достигли ученики Давида Антуан-Жан Гро и Жан-Огюст-Доминик Энгр. Гро знаменит «Наполеоном на Аркольском мосту» (1796), где героический посыл сочетается с предромантическим пафосом. Это излишнее с точки зрения классических канонов воодушевление предвосхищало творчество таких романтиков как Теодор Жерико и Эжен Делакруа. Энгра отличала совершенная техника письма, абсолютная точность работы с натурой. Такие его творения как «Большая одалиска» (1814) или «Антиох и Стратоника» (1840) безупречны как образцы стиля, как и целый ряд исполненных им портретов. Между тем, молодые художники находили эту холодную безупречность невыносимой – на их взгляд, Энгру не хватало страсти к жизни.

Романтизм

Одним из ниспровергателей академических правил выступил Эжен Делакруа. Он провозглашал, что воображение важнее рисунка, а пульс жизни – классического сюжета. Революционер от живописи приветствовал свободный выход творческой силы и обращение к современным темам. Его знаменитая «Свобода на баррикадах» (1831) полна экспрессии и контрастного цветового ритма. В конце концов, художнику настолько опостылели древние греки и римляне, что в поисках ярких красок и романтического вдохновения он отправился в Алжир.

Другим видным представителем романтизма был Теодор Жерико. Начав как типичный неоклассицист, он постепенно под влиянием своей эпохи и полотен Рубенса воспринял романтическую эстетику. Вершина творчества Жерико – грандиозная (5×7 метров) композиция «Плот «Медузы»», посвященная крушению фрегата «Медуза». Картина произвела сенсацию на парижском Салоне 1819 года, но вызвала крайне разноречивые отклики: романтические мотивы многие годы не были в почете у официальных критиков.

И все же, художники-романтики, пусть и не получили признания современников, отвоевали право на свое видение мира. В Англии великолепные пейзажи в романтическом духе создавал Джозеф Тёрнер, романтическое мировосприятие было свойственно Уильяму Блейку и Джону Констеблу. Романтическими грёзами пронизаны пейзажи немца Каспара Фридриха и литографии француза Оноре Домье. Но, возможно, самым удивительным художником-романтиком был испанец Франсиско Гойя. Романтизм Гойи невероятно сложен: это синтез барокко, классицизма и фантасмагории, предтеча импрессионизма и экспрессионизма, фрески, полотна и гравюры. К наиболее известным его произведениям романтического периода относятся «Бедствия войны» (1809), «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года» (1814), «Тавромахия» (1816).

Бидермейер

Во времена Священного союза 1815–1848 гг. в германских землях и Австрийской империи наибольшим спросом у обывателей пользовались картины в стиле бидермейер, сочетавшем в себе упрощенный классицизм с примесью романтизма. Многочисленные сцены домашнего уюта, мирный пейзаж и благочестивые портреты украшали особняки обеспеченного бюргерства. Художники этого направления – Карл Шпицвег, Эдуард Гартнер, Мориц фон Швинд, Адриан Людвиг Рихтер и другие – обладали несомненным талантом, но старались угодить вкусам заказчиков. Их произведения не принадлежали к произведениям искусства, но, несомненно, оставили отпечаток на культурной жизни своей эпохи.

Реализм

К середине века в эстетических установках некоторых живописцев возобладало стремление изображать жизнь такой, какова она есть: правдиво, без приукрашиваний и бьющих через край эффектов. Первыми этих правил стали придерживаться предшественники реалистов, художники Барбизонской школы – Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле, Шарль-Франсуа Добиньи и примыкавший к ним по взглядам Камиль Коро. Основным жанром барбизонцев, первыми вышедших из мастерской на пленэр, стал окрашенный лирической тишиной и меланхолией пейзаж. Их работы отличала утонченная трактовка света и тональная гармония.

Расцвет реализма связан с именем Гюстава Курбе. Отвергнутый Салоном, в 1855 году он организовал персональную выставку, которую так и назвал – «Реализм». Курбе проповедовал не приятное, но достоверное. Оно могло быть и отталкивающим, и остросоциальным, и непривычным. Он писал дробильщиков камня, крестьян и веяльщиц, обличал салонное искусство, твердо держался своих принципов и даже принял участие в деятельности Парижской Коммуны 1871 года.

Реализм имел последователей во многих странах, но наибольшего выражения достиг в Италии (маккьяйоли) и России (передвижничество). Большое влияние реализм оказал и на формирование импрессионистской школы живописи.

Маккьяйоли

В 1850–1870-е гг. группа тосканских художников отказалась от академической манеры изображения и стала применять принципы веризма (так в Италии называли реализм). Использование техники macchia (сильных контрастов света и тени) дало название школе – маккьяйоли. Итальянские реалисты искали «впечатление от истинного» и уделяли самое пристальное внимание острым темам повседневной жизни.

К этой группе относились Джованни Фаттори (лидер движения), Сильвестро Лега, уделявший основное внимание пейзажам, певец правдивой натуры Телемако Синьорини, а также Кристиано Банти, Серафино де Тиволи, Джузеппе Аббати и другие. Как и все реалисты, они любили работать на пленэре. Тематика работ представителей маккьяйоли – борьба итальянцев за независимость, жанровые сценки, пейзажи, а к наиболее прославленным полотнам относятся «Итальянское поле после битвы под Маджентой» и «Юго-западный ветер» Фаттори, «Простолюдинка» и «Беседка» Лега, «Флорентийское гетто» и «Спящие мальчики» Синьорини.

Передвижники

Важнейшим событием в истории русской живописи XIX века стало появление в 1863 году «Товарищества передвижных художественных выставок». Творчество передвижников имело широкий отклик во всех слоях русского общества, непосредственно и благотворно повлияло на развитие отечественного искусства. Отрицая академические каноны и стремясь к самовыражению через живые впечатления и через осмысление родной истории, передвижники полностью преобразили художественный фон и создали десятки бесценных шедевров.

К этому направлению принадлежало большинство лучших художников второй половины столетия, включая Илью Репина, Василия Сурикова, Алексея Саврасова, Ивана Шишкина, Виктора Васнецова, Архипа Куинджи, Исаака Левитана, Валентина Серова, Ивана Крамского, Василия Перова и других.

Многие картины передвижников прекрасно знакомы большинству современных россиян с детства – «Бурлаки на Волге» и «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» Репина, «Взятие снежного городка» и «Переход Суворова через Альпы» Сурикова, «Аленушка» и «Витязь на распутье» Васнецова, «Утро в сосновом лесу» и «Корабельная роща» Шишкина и многие другие. Оригинальность замысла, высокое мастерство исполнения, глубокий психологизм момента, тщательно продуманная композиция сделались отличительными чертами искусства передвижников.

Прерафаэлиты

Если реалисты находили спасение живописи буквально за дверями собственных мастерских, то движение прерафаэлитов пошло вглубь веков, полагая в мастерах, предшествующих Леонардо, Микеланджело и Рафаэлю, найти подлинный и негасимый дух искусства. Схожими побуждениями руководствовались на несколько десятилетий ранее участники Союза Св. Луки, или, как их обычно называли, «назарейцы». К назарейцам, вдохновлявшимися представителями кватроченто (Фра Анжелико, Перуджино, Дж. Беллини) принадлежали такие выдающиеся художники как Фридрих Овербек, Петер фон Корнелиус и Вильгельм фон Шадов.

Что касается прерафаэлитов, то они искали не столько христианской чистоты и непосредственности как назарейцы, сколько проповедовали красоту как единственную истину и придерживались концепции искусства ради искусства. Среди прерафаэлитов выделялись Уильям Хант, Данте Габриэль Россетти, Джон Эверетт Милле и Эдвард Бёрн-Джонс. Помимо итальянских художников XV века, прерафаэлиты придавали важное значение средневековому искусству: скульптурам, иконам и рисункам. Страстными поклонниками прерафаэлизма выступали ведущий британский искусствовед XIX века Джон Рёскин и утонченный писатель Оскар Уайльд.

Импрессионизм

Поворотным моментом в истории живописи и прологом к современному искусству выступило движение импрессионистов. Импрессионизм в живописи произвел эффект, сопоставимый с основанием квантовой механики в физике. Такие художники как Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Поль Сезанн и Камиль Писсаро переосмыслили значение света как оптического явления и радикально изменили технику письма. Манера накладывать краски быстрым и плотным мазком, не смешивая их, стала самой заметной особенностью импрессионистского метода. Эффект «распада» картины по мере приближения к ней и «появления» ясного изображения при удалении – результат подобного подхода. Импрессионисты открыли дорогу постоянному эксперименту – и уже не только со светом, но и со всеми аспектами изображения: цветом, линиями, контрастом, объемами и т.д.

Первая выставка импрессионистов, состоявшаяся в 1874 году (хотя движение оформилось еще в начале 1860-х) вызвала шумный переполох среди публики и критиков. «Пять или шесть душевнобольных […] объединились, чтобы выставить свои работы», – так комментировал событие один из еженедельников. Знатоков обескураживала не только революционная техника, но и отсутствие «живописности» и сюжета. Но импрессионисты, убежденные в верности своего подхода, шли дальше. Кроме пейзажа, их очень привлекал шум городских улиц: Итальянский бульвар в солнечную погоду, неуловимые оттенки Руанского собора, беззаботность посетителей кафе. Эдгар Дега сделал себе имя на отточенном и динамичном изображении танцовщиц, Альфред Сислей (примкнувший к французам англичанин) – на пейзажах Сены, Огюст Ренуар – на контрастах парижской жизни, неподражаемости женских образов, Моне – на тончайших нюансах игры света и цветовых вибрациях.

Пуантилизм

Логическим продолжением развития импрессионизма стал пуантилизм (дивизионизм). В 1880-е гг. молодой художник Жорж Сёра изучил научную теорию восприятия света и решил составлять картины наподобие мозаики – в виде точек чистого цвета, которые в итоге давали изображение. Чтобы спасти контуры, слишком размытые при таком способе письма, Сёра прибегнул к упрощению форм, к примитивизации рисунка, к особой выразительности горизонтальных и вертикальных линий. Подобные приемы придавали его картинам ощущение вневременности. Жорж Сёра умер в 31 год, после чего его метод пришел в упадок, но он дал пищу для размышления новому поколению экспериментаторов. Кроме Сёра, к дивизионистам принадлежали главный теоретик направления Поль Синьяк, Альбер Дюбуа-Пийе, Максимильен Люс, Шарль Ангран, Анри Кросс. Большой интерес к пуантилистской технике проявлял Камиль Писсаро.

Постимпрессионизм

Под постимпрессионизмом в истории искусств подразумевается весь комплекс авангардистских течений, возникших после последней выставки импрессионистов в 1886 году, вплоть до начала Первой мировой войны – кубизм, символизм, орфизм, пуризм, фовизм и т.д. К ярчайшим явлениям начала постимпрессионистской эпохи относится творчество Винсента Ван Гога, Поля Гогена, Анри де Тулуз-Лотрека и Поля Сезанна.

Судьба Ван Гога – квинтэссенция судеб многих художников того времени. Самоучка, безумно влюбленный в живопись, он всю жизнь терпел удары судьбы, насмешки толпы, равнодушие официального искусства. Но, несмотря на всё, мастер верил в призвание и самозабвенно творил вплоть до своей тяжелой болезни и самоубийства в 37 лет в 1890 году. Ван Гог постоянно работал, создал свыше 800 картин, но лично продать смог лишь единицы. Слава пришла к нему посмертно, в начале XX века. Его лучшие работы – «Едоки картофеля», «Подсолнухи», «Автопортрет с отрезанным ухом», «Ирисы» и т.д. – оцениваются сейчас в сотни миллионов долларов, а его поздняя манера изображения с помощью волнистых линий и интенсивных завихрений цвета повлияли на эстетику символизма в живописи в целом.

Не менее трагична биография творца самобытных полотен в стиле примитивного символизма Поля Гогена. В 35 лет он бросил работу преуспевающего коммивояжера и полностью погрузился в живопись. Общение с Писсаро и Ван Гогом, долгие размышления над творчеством Сезанна подтолкнули его к интенсивному поиску своего почерка и своей темы. В результате в 1891 году Гоген уехал на Таити, а через 10 лет перебрался на Маркизские острова. Именно в первобытной Океании, вдалеке от цивилизации, он написал лучшие свои произведения, – «Та Матете», «Таитянские женщины на пляже», «Навенаве Махана», «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?» и другие, – наполненные тайнами загадочного мира древних мифов первобытных народов.

Потомок старинного аристократического рода Анри Тулуз-Лотрек после осложнений, связанных с переломами ног, полученных в детстве, едва достигал 150 см, что закрыло ему дорогу к военной карьере. В 20 лет он поселился в Париже, сблизился с импрессионистами и сам увлекся живописью. Его излюбленной темой была ночная жизнь Парижа (цирк, кабаре, увеселительные заведения). Обладая наблюдательностью и чувством стилизации, удивительным сплавом линии и цвета, Тулуз-Лотрек придал элементы искусства рекламному плакату и повлиял на дальнейшее развитие европейской графики.

Жизнь Поля Сезанна – это стезя новатора и первопроходца. Он начинал как импрессионист («Дом повешенного» 1873 г.), тогда же увлекся проблемой синтеза между объемом и пространством с помощью света. В 1877 году Сезанн отошел от импрессионизма, полностью погрузившись в изучение влияния цвета на конструирование объема, соотношений пространства и света, композиционной гармонии. В итоге от пейзажей он перешел к натюрмортам, сведя предметы к первоформам – шару, кубу, конусу. Этот метод получил название «сезаннизма» и стал прологом к более позднему кубизму Пабло Пикассо. Сезанну, в отличие от многих современных ему художников, повезло: он прожил достаточно долго, чтобы в последние годы пережить момент всемирной славы.

Пикториализм

Несколько слов стоит сказать о совершенно новом явлении в изобразительном искусстве XIX века – художественной фотографии. Не все живописцы отрицательно восприняли изобретение новой технологии запечатления действительности. Некоторые видели в ней творческие возможности и ратовали за признание фотографии частью искусства. Владение основами академической техники и композиции, понимание роли светотени и значения цветовых пятен действительно позволили создавать высокоэстетичные кадры. Эти художники-фотографы стали известны как пикториалисты. В своих работах они ориентировались на творчество Джеймса Уистлера и Арнольда Бёклина и сыграли важнейшую роль в пропаганде фотографии как неотторжимой части искусства. Самыми известными деятелями данного направления были Фрэнк Мидоу Сатклифф, Генри Пич Робинсон, Альфред Стиглиц, Робер Демаши, Алвин Кобурн и другие.

Пройти тест по теме

Источник обложки: CarPosting