Культура в эпоху перемен. Европейская культура XVII века

XVII век – наступление Нового времени

Новое время – понятие весьма определённое, имеющее чёткий хронометраж. Начинается оно с первой Английской буржуазной революции (1640-е годы) и завершается событиями франко-прусской войны в начале 1870-х годов. Так считает большинство историков. Правда, у культурологов другое мнение. По их представлениям Новое время началось или в конце XVI века, или же в начале 20-х годов следующего столетия. А финал наступил только на стыке XIX и XX века. В любом случае, Новое время пришло на смену Старому, проще говоря, Средневековью и Ренессансу.

С какой точки зрения не взглянуть на XVII век (искусства, науки или философии), он является сложным и важным, насыщенным событиями. В это время происходят коренные изменения как в социальной, так и в духовной жизни европейцев. Люди уже оторвались от Средневековья, но ещё и не добрались до привычного нам общества. Они оказались зажаты в рамки условного переходного периода, который и ознаменовал всё XVII столетие. Людям срочно требовалась новая идеология. И они её искали. Искали везде и всюду. Так происходили открытия, изобретения и формирование новых мыслей, взглядов на привычные вещи.

Первый «удар» приняла на себя наука. В астрономии и физике, алгебре и геометрии, биологии и химии, везде происходили фундаментальные открытия. Следом «выстрелило» искусство. И не какое-то одно направление. Словно по щелчку пальцев начался мощный подъём архитектуры, живописи, литературы. Появились балет и опера, большое внимание стало уделяться садово-парковому и декоративно-прикладному искусствам.

Важно ещё и то, что впервые произошло сближение представителей науки и искусства. Начался взаимовыгодный процесс сотрудничества. Произошло это на фоне секуляризации не только самой науки, но и культуры. Они «спустились с Олимпа», покинув клерикальные центры и университетские кафедры. И стали доступны посетителям аристократических гостиных и салонов, где люди могли вести светскую беседу на сложные темы.

Такие салоны от года к году становились всё популярнее в Европе, особенно в Англии и Франции. Там могли завязать разговор совершенно разные люди: художники с философами, писатели с аристократами, учёные мужи с музыкантами. И это общение благоприятно влияло на всех участников диалога, позволяя им прикоснуться к мирам друг друга и, соответственно, расширить свой горизонт знаний.

Естественно, не обходилось и без эмоционально окрашенных полемиках, касавшихся философско-эстетических вопросов. Особенно выделялись споры между представителями «школ» эмпирического и рационалистического способов познания.

Изменения в искусстве

Фундаментальные изменения затронули все сферы искусства. И они стали стремиться дополнить друг друга, причём органично. Например, архитекторы старались работать в тандеме с представителями садово-паркового искусства. Таким образом, различные здания органично вписывались в улицы и площади. На эту же территорию проникли и скульптуры. Они перестали быть оторванными от реальности.

Изменилась и живопись. Привычные библейские и мифологические сюжеты остались, но их «разбавили» светские жанры. Например, бытовой, натюрморт, портрет, пейзаж. Сместился и акцент в восприятии самого человека. Если в эпоху Возрождения он являлся венцом творения, то с наступлением Нового времени утратил эту строчку в «резюме». Художники, скульпторы и писатели начали добавлять в свои работы щепотки человеческого несовершенства.

Можно вспомнить Уильяма Шекспира. В его произведениях герои могут терзаться сомнениями, совершать плохие поступки. Но при этом, есть и положительные персонажи, способные на поступок. Например, герои пьесы «Ромео и Джульетта». Произведение было впервые опубликовано в 1597 году, поэтому технически к Новому времени не относится. Но в нём отчётливо прослеживаются грядущие тенденции.

Это подтвердил и Мигель Сервантес с романом «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский», опубликованном в 1605 году, то есть, в преддверии Нового времени. Герой Сервантеса максимально оторван от классического восприятия рыцаря. Он сомневается, теряется, ошибается и является предметом насмешек. Но у героя был благородный мотив, поэтому ему сочувствовали, в том числе, и сам автор.

А ещё XVII столетия охарактеризовалось появлением сразу двух стилей в искусстве. Такого раньше не было. Всегда развитие шло по какому-то одному пути, которое потом сменяло другое. Так было с романским стилем, готикой. А в XVII веке появились барокко и классицизм.

Барокко — вычурность в католических странах

Стиль барокко появился в Италии, но очень быстро распространился практически по всем европейским государствам. В первую очередь, среди стран, где официальной религией являлось католичество.

Католическая церковь во главу угла поставила вычурность, роскошь и зрелищность, чтобы впечатлить и воодушевить людей. Это было сделано в противовес протестантской церкви, где упор шёл на скромность. Барокко идеально подошёл под запрос католичества того времени. Грациозность, утрированная экспрессивность, патетика, внимание к мелочам — стали основой стиля. Причём такой подход наблюдался во всём, в том числе и в изображении знакомых всем библейских сюжетов.

Пришлось по вкусу барокко не только священнослужителям, но и представителям аристократии. С помощью пышности, блеска и величия они захотели укрепить свою власть, возвысить себя, показать, что место приближённых к трону — особенное. И стиль барокко это благоволил такому подходу, демонстрируя отсутствие гармонии и всецелый кризис гуманизма. Он говорил о том, что мир находится на изломе. Власть постепенно переходила к представителям буржуазии. А для них самое главное — роскошь и богатство.

Изначально колыбелью барокко являлся Рим. «Вечный город» впечатлял величием. Причём это касалось всего: живописи, скульптуры, архитектуры.

Итальянцы Джованни Лоренцо Бернини, Франческо Борромини, Карло Мадерна и другие работали исключительно в стиле барокко. И поэтому они ни в чём себя не ограничивали. Фасады и интерьеры зданий украшались скульптурами, колоннады поражали своими масштабами, а церковным куполам придавались вычурные формы и многоярусность. Ярким примером служит собор Святого Петра в Риме. Поражает воображение не только сам собор, но и площадь возле него. Ответственным за это великолепие был Бернини. Он же создал грандиозную колоннаду собора Святого Петра, а также несколько скульптурных алтарей. Например, «Экстаз святой Терезы». В целом, именно благодаря работе Бернини и произошло формирование внешнего облика католической церкви. И этот вид она почти в нетронутом состоянии сохранила до наших дней. Другой пример — капелла Коранаро в церкви Санта-Мария-делла-Витториа (тоже работа Бернини). Она представляет собой яркую иллюстрацию слияния воедино архитектуры, скульптуры и живописи.

Закрепившись в Италии, стиль барокко уверенно шагнул в соседние католические страны. Он стал популярным в Испании, Нидерландах, Бельгии и других государств. Оставило свой след барокко и России. Правда, произошло это позже — в XVIII веке. А главной иллюстрацией это стиля является Санкт-Петербург, когда правили Пётр I и Елизавета Петровна. Главными архитекторами того время являлись иностранные зодчие: Растрелли, Микетти, Киавери, Леблон, Ван Болес и другие. Например, Растрелли работал над созданием Зимнего дворца и Воскресенским Смольным монастырём. Киавери создал проект Кунсткамеры.

А вот во Франции к барокко отнеслись настороженно. Более того, некоторое время считалось, что этот стиль и вовсе прошёл мимо Парижа. Дело в том, что там появилось своё направление — классицизм. И работы французских архитекторов «автоматом» приписывались к этому стилю. Но сейчас принято считать, что во Франции барокко всё-таки был и оставил значительный след. Например, к этому стилю принято относить Версальский и Люксембургский дворцы, задние Французской Академии. Наиболее ярким представителем барокко является Версальский парк.

Стиль барокко сильно повлиял не только на архитектуру. В соответствии с направлением работали европейские писатели и поэты. Интересно то, что почти все они начали воспринимать реальность как некую иллюзию или даже сон. И поэтому происходило тесное переплетение чего-то конкретного и выдуманного. Писатели и поэты, словно соревнуясь друг с другом, не скупились на вычурность и пафос. А их главным оружием являлись аллегории, метафоры, символизм, градации, оксюмороны, параллелизмы, различные театральные приёмы, а также графические изображения. К последнему можно отнести построение стихотворений таким образом, что строки образовывали какой-либо рисунок (стихи-рисунки). Например, австрийская поэтесса Катарина Регина фон Грейфенберг писала сонеты в форме креста. Добралась эта мода и до России. Стихи в виде рисунков писали Державин, Сумароков и другие поэты.

Поскольку многие авторы тяготели к позиции, что жизнь — это сон, особой популярностью стали пользоваться различные символы ночи. Эта тема фигурировала в работах де Кеведо, Кальдерона. Педро Кальдерон написал пьесу с говорящим названием «Жизнь есть сон».

Параллельно появились новые жанры. Например, галантно-героический роман. Здесь роль первых скрипок брат и сестра де Скюдери. Мадлен, помимо того, что являлась писательницей и поэтессой, держала ещё и литературный салон. Рядом набирали популярность сатирический и реально-бытовой романы. Важную роль в развитии этих литературных направлений сыграли Сорель, Скаррон, Фюретьер. В целом, в прозе и поэзии того времени важное место занимало отношение к окружающей действительности. Чаще всего, авторы занимали наиболее выгодную (под стать барокко) бурлескно-сатирическую позицию. И в эту высокопарную обёртку они старались запрятать стремление к разнообразию, тягу к знаниям и исследованиям бытия. Это можно проследить по контрастности, которой «жонглировали» авторы: время и вечность, тьма и свет, плоть и дух.

Однако появились и другие барочные литературные направления: маринизм, консептизм, гонгоризм и другие. Часто герои произведений жили не в реальности, а в неком вымышленном античном мире (обычно, в Греции). Это прямым образом влияло на персонажей. Придворных дам и кавалеров авторы изображали в облике пастушек и пастухов. Так появился новый жанр — пастораль. Причём он характерен не только для литературы, но и живописи, музыки, театра. Авторы преподносили простую сельскую жизнь как нечто возвышенное и прекрасное. Среди писателей можно выделить француза Оноре д’Юрфе, автора романа «Астрея».

Что касается барочной поэзии, то здесь особое внимание уделялось витиеватости, которая достигалась путём использования сложных метафор. Новое время началось с распространения сонет, рондо, мадригалы, кончетти. Эти поэтические формы использовали Вуатюр, Марино, дон Луис де Гонгора-и-Арготе. Не осталась в стороне и Россия. У нас в данном направлении работали Прокопович, Полоцкий, а также Ломоносов в начале своего творческого пути.

В живописи того времени главенствующую роль играли декоративные многоплановые композиции. Они носили религиозный, мифологический и аллегорический характер. Кроме этого, пользовались популярностью парадные портреты. Но человек, чаще всего, изображался не в статическом положении или умиротворённом состоянии. Наоборот, художники старались запечатлеть некую динамику, с напряжением и драматизмом. Примерами барочной живописи являются: де Шампань, Караваджо, Рембрандт, Веласкес, Эль Греко, Рубенс, Ван Дейк.

Классицизм — строгий ответ французов итальянцам

Уникальная особенность XVII столетия заключалась в том, что в Европе образовалось «двоецарствие». Кроме барокко появился ещё классицизм. Он стал своеобразным ответом на вычурность итальянского стиля. А его «колыбелью» являлась Франция. Правда, покорить также лихо покорить Европу, как это сделал барокко у него не получилось. Классицизм сумел проникнуть в архитектуру Англии и Голландии. Что же касается живописи, то этот стиль иногда встречался у итальянских и голландских художников. Всё это привело к тому, что на протяжении многих лет XVII столетие называли исключительно «Веком барокко». И только потом культурологи и историки всё-таки отказались от этого термина. Таким образом и получилось, что в Европе XVII века параллельно развивались два направления.

Франция являлась не только колыбелью классицизма. Здесь он вырос и раскрылся во всей красе. Особенно, это относится к живописи. В стиле классицизма работали Пуссен и Лоррен, Дюге и Лесюэр (пусть и эпизодически). Что же касается архитектуры — здесь не всё так однозначно. Выше у было сказано - долгие время считалось, что все грандиозные постройки того времени относились к барочному стилю. И только потом началось разграничение.

Отличительной чертой классицизма является его идеология. Она отражала естественное стремление людей к красоте, целостности и ясности. Всё это предлагала античная классика, которая и превратилась в ориентир для данного художественного стиля и эстетического направления.

Проблемой классицизма стало то, что он боролся за место под солнцем с очень сильным соперником — барокко. Поскольку быстро одолеть его не получилось, он попал под влияние серьёзного соперника. Относительный успех у классицизма произошёл ближе к 1630-м годам, когда он заявил о себе в живописи. А ещё через пару десятилетий — в архитектуре (связь с барокко всё равно была крепкой).

Появление классицизма обычно связывают с абсолютистской властью во Франции. Ей по душе был порядок и единство, которые нашли отражение в направлении. Соответственно, классицизм продвигал идеи разумной и гармоничной жизни. К таковой стремились не только простые люди, но и монархи. Идеалы единства и сплочённости пользовались во Франции неподдельной популярностью. Кроме этого, классицизм базировался на трёх единствах античного театра: место, время, действие. Сюда же добавилась и рациональная философия Декарта.

Всё это плотно связало французскую дворянскую культуру с непоколебимой властью. Под влиянием монархии, начала формироваться новая нормативная эстетика, которая стала своего рода «жандармом» в произведениях искусства. Она требовала от них безусловного следования определённым законам и правилам. Отступить от них было просто нельзя. А главным законом жанра являлась логичность во всех её проявлениях. Проще говоря, авторы воспринимали свои творения не как что-то возвышенное и одухотворённое, а как продукт, сделанный человеческими руками по определённому плану. И создавался тот продукт с определённой целью, а не по приступу вдохновения. Принято считать, что основу французского классицизма заложил рационализм Рене Декарта.

Важную роль в формировании поэтики классицизма сыграл Франсуа Малерб. Он вошёл в историю, поскольку совершил реформу французского языка, а также создал поэтические каноны. Подверглась влиянию классицизма и драматургия. Особенно это заметно по работам Пьера Корнеля и Жана Расина — главных драматургов Франции XVII столетия. Сюжеты их произведений, чаще всего, выстраивались вокруг конфликта — столкновении общественного долга и личных желаний. Самыми известными работами Расина являются: трагедии «Андромаха» и «Федра». Корнель вошёл в историю благодаря комедиям «Мелита, или Подложные письма», «Вдова, или Наказанный предатель», а также трагикомедии в стихах «Сид». Кроме драматургии набирали популярность и другие жанры. Например, басни, сатиры. А главным специалистом по комедиям (он развил новый жанр - «народная комедия) того времени считался Мольер, автор «Тартюфа», «Дон Жуана», «Мизантропа» и других произведений. В своих работах он высмеивал предрассудки дворянства, эгоизм, безделье, праздность и прочие пороки, свойственные представителям высших сословий. Не побоялся Мольер уколоть и церковь, высмеяв ханжество в «Тартюфе». В его произведениях главными героями выступали обычные люди, «от сохи». Они отличались остроумием, находчивостью и прозорливостью. Особенно сильно досталось высшему свету в комедии «Дон Жуан». Её постановка вызвала резонанс и была жёстко раскритикована представителями власти за вольнодумство и атеизм.

Естественно, классицизм нашёл отражение и в архитектуре. Яркими примерами служат: церкви Дома инвалидов, церковь Святой Женевьевы (Пантеоне), вилла Ротонда (Виченца, Италия) и многие другие здания. Важную роль сыграл французский архитектор Франсуа Мансар. Он создал Шато Беллеруа, дворец в Мезоне, крыло Гастона Орлеанского в замке Блуа. Кроме этого, Мансар оказал большое влияние на других известных архитекторов: Рена, Тессина, фон Эрлаха. Все они творили, преследуя гармонию линий, ставя поверх всего разум.

Это можно отнести и к живописи. Пуссен и Лоррен в своих картинах стремились показать логическое развитие сюжета, уравновешенную композицию, где не было ничего лишнего. Это достигалось объёмными деталями, правильным изображением света. Пуссен был уверен, что произведение искусства должно напоминать человеку о мудрости, спокойствии и добродетели. Только так можно преодолеть неприятности, встречавшиеся на жизненном пути.

Художники, чаще всего, работали в исторических жанрах. Дело в том, они на примере героев прошлого учили людей самопожертвованию, справедливости и добру. При этом, портреты и пейзажи не пользовались большой популярностью у классицистов. А вот натюрмортам и различным бытовым сценам и вовсе не нашлось места. Художники считали их откровенно непривлекательными.

Что же касается скульптуры, здесь также наблюдалось торжество разума и логики. Фальконе, Гудон и прочие творцы придавали своим произведениям спокойные, строгие и сдержанные формы. В своих работах скульпторы отталкивались от античных работ. И их работы «поселились» в Версале, Веймаре, Санкт-Петербурге. Все эти композиции спокойны и сдержаны. И на это умиротворение никак не влияют их позы. Скульптуры и скульптурные композиции отлично передавали замысел своих создателей. Особенно, когда они изображали какого-либо героя настоящего в античном антураже. Делалось это с одной целью – подчеркнуть важность этого человека в истории.

Классицизм, несмотря на то, что не получил такого широкого распространения в Европе, как барокко, всё равно оставил знаковый след в истории. А оба направления по праву можно назвать эпохальными. Они красочно проиллюстрировали всё то, что происходило в умах людей в переломном XVII веке.